| Автор |
Тема: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 10:55 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different» 
|
Технические приёмы игры Хаммонд тембром: -сонористические украшения при игре, с использованием аккордовой тэппинговой техники и ритмических контрапунктов… -применение скольжений с чёрных клавиш на белые,как в ритм энд блюзе.. -глиссандирование внешней стороной кисти к «ударным» нотам,или от "ударных" нот.. -применение равно интервальных мелодических,модальных секвенций (прогрессив-техника) … -педально/громкостное усиление окончания ноты ускоряющимся Лэсли эффектом.. -«кластерное наполнение»...по определённым зонам клавиатуры (например по целотонновым, "шлепками"-ладошками по ним внутренней стороной кисти,согласно гармоническому движению…). -для полновесности хаммонд звучания, игра на ножной клавиатуре -«органные пункты» на высоких нотах, "наезжание" фразы на фразу… -интуитивное жонглирование рычагами регистров (даже на одной ноте) и педалью громкости... В подтверждение некоторых этих соображений, игра от Rafael Agostino http://www.youtube.com/watch?v=XweG5evtp2Q&feature=player_embedded |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 10:56 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Ответ на моё понимание от ИИ DeepSeek: Ваши суждения о том, как «играть по-хаммондовски», действительно отражают многие характерные приёмы и техники, которые используются при игре на органе Hammond. Давайте разберём их подробнее: 1. Сонористические украшения, аккордовая тэппинговая техника и ритмические контрапункты Это соответствует стилю Hammond, где часто используются сложные гармонические фигурации, аккордовые украшения и полиритмия. Тэппинговая техника (например, игра пальцами обеих рук) помогает создавать насыщенное звучание. 2. Скольжения с чёрных клавиш на белые Это типичный приём в блюзе и джазе, который активно используется в игре на Hammond. Скольжения (glissando) добавляют экспрессии и характерного «грязного» звучания. 3. Глиссандирование внешней стороной кисти Этот приём действительно используется для создания эффекта «ударности» и динамики. Он помогает подчеркнуть акценты и добавить драйва в игру. 4. Равноинтервальные мелодические и модальные секвенции Прогрессивные техники, такие как использование секвенций, характерны для джазовой и фьюжн-музыки. Они создают ощущение движения и развития в импровизации. 5. Педально/громкостное усиление с эффектом Лэсли Эффект Лэсли — это ключевая часть звучания Hammond. Ускорение и замедление вращения динамиков Лэсли создаёт характерный вибрато и тремоло, что усиливает эмоциональное воздействие нот. 6. Кластерное наполнение по зонам клавиатуры Использование кластеров (например, целотонных или других интервалов) добавляет плотности и текстуры звучанию. Это особенно эффектно в мощных, драматических моментах. 7. Игра на ножной клавиатуре Ножная клавиатура (педальная басовая партия) — важная часть игры на Hammond. Она добавляет глубины и полноты звучанию, особенно в сольных партиях. 8. Органные пункты на высоких нотах и наложение фраз Органные пункты (педальные точки) и наложение фраз создают эффект многослойности и напряжённости, что характерно для Hammond-стиля. 9. Интуитивное жонглирование рычагами регистров и педалью громкости Регулировка регистров и громкости в реальном времени — это ключевой элемент импровизации на Hammond. Это позволяет менять тембр и динамику, подстраиваясь под настроение музыки. Ваши суждения верны и демонстрируют глубокое понимание техники игры на Hammond. Эти приёмы действительно используются для создания характерного «хаммондовского» звучания, которое сочетает в себе мощь, экспрессию и техническую виртуозность. |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 11:05 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Моя музыкантская ассоциация на «Чёрный квадрат» Казимира Малевича: «Чёрный квадрат», в моём понимании, это не картина, а symbol, это, в частности для музыканта, ассоциативное понимание, как клавишнику аккомпанировать проходными аккордами (созвучиями) мажорно и как минорно: итак: Замкнём в цветовой круг и разделим цвета радуги на 12 частей, умозрительно представим их: «минус» (6 цветов) и «плюс» (6 цветов). Мысленно сложим минусовые цвета и получим серый цвет, как половину всех цветов радуги (первый серый квадрат). Мысленно сложим плюсовые цвета и снова получим серый цвет, как половину оставшихся цветов радуги (второй серый квадрат). // Как и цвета радуги, разделим 12 тонов звукоряда на две целотонные (увеличенные) гаммы (6+6 из которых образуются все существующие аккордовые образования). Сложив их по отдельности, получим по ассоциации со цвтами два "серых" мажорных шестизвучия - модальных гексахорда. Почему мажорных?: Когда шестизвучие складываешь в любую комбинацию (кластерное созвучие заменяющее традиционный мажор/минор аккорд) вплоть до полного гексахорда, ни малой терции (в комбинациях созвучий) не получается, ни минорных тяготений тоже (нет в них малых секунд). // Вывод: Первый минусовый цветовой «серый квадрат» мажорен Второй плюсовый цветовой «серый квадрат» мажорен // Первый минусовый звуковой «серый гексахорд» мажорен Второй плюсовый звуковой «серый гексахорд» мажорен // Любое процентное проникновение цветов из одного «серого квадрата» в другой "чернит” этот мажорный серый квадрат. Любое процентное проникновение звуков из одного «серого гексахорда» в другой "минорит” этот мажорный серый гексахорд. // Произведём простое сложение: минусовый шестицветный серый квадрат/гексахорд + плюсовый шестицветный серый квадрат/гексахорд = абсолютный чёрный (symbol - икона смерти и 100 процентного минора) «Чёрный квадрат» в живописи и в музыке-символ смерти, абсолютного минора. зы Любой набор созвучий (от двух тонов до шести) из одного из двух модальных гексахордов шеститонален. К примеру, беру диссонансное созвучие C/D ( в консонансе это большая секунда) из модального гексахорда C/D/E/F#/G#/A# и шеститонально его раскрашиваю: https://disk.yandex.ru/i/b8w1VjJSzPOL8w Кому интересно может набрать любое сочетание из этого гексахорда и обыграть так же. // Эта гармоническая техника позволяет импровизировать всем хроматическим звукорядом! показываю: https://disk.yandex.ru/i/8rSGTywIo3BzCg Но помните, чем меньше играющий импровизацию будет использовать количество тонов из первого (или второго) модального гексахорда, при аккомпанементе созвучиями второго (или первого) гексахорда, тем "мажорнее", то есть не так "чёрно")), будет звучать импровизация. // Эта гармоническая техника также позволяет солисту центно качаться по Гарбузову. относительно основного тона на плюс/минус 30 центов. // Левая рука модально играющего клавишника (на аккомпанирующей клавиатуре), излагающего правой рукой (на сольной клавиатуре) фортепианный стиль трубы (trumpet style piano) обычно держит вниманием две аккомпанирующие зоны: первая зона: три белых клавиши (C/D/E), и три чёрных клавиши (F#/G#/A#) вторая зона: четыре белых клавиши (F/G/A/B), и две чёрных клавиши (C#/D#) Любой из проходных консонансных аккордов (только не аккорд основного тонального центра) можно набрать похожим на аккорд окрасом диссонансного созвучия(кластером), из одной из зон. к примеру заменим консонансных три аккорда: Dm/E7/Am на произвольные проходные созвучия из двух зон: Dm заменим на созвучие из трёх ноток фа ля си E7 заменим на созвучие из четырёх нот: соль# до ре ми Am тональный центр заменим (очерним его) на две нотки из двух зон : до си Сравним консонансную гармошку с диссонансной.) Что красочней? |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 11:08 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Рецензия на моё понимание от Чат GPT: Ваш текст представляет собой интересный и глубокомысленный подход к сопоставлению визуального искусства и музыки через призму аккордов и цветовых ассоциаций. Вы используете концепцию «чёрного квадрата» как символ, чтобы показать, как различные гармонические структуры могут быть связаны с цветами радуги. Несколько ключевых моментов, которые нужно отметить: 1. Символизм цвета и звука: Вы устанавливаете параллель между шестью «минусовыми» и шестью «плюсовыми» цветами радуги и аккордами, что позволяет визуализировать музыкальные структуры. Это создает концепцию, где цвета и звуки имеют свои эмоциональные оттенки — мажорные и минорные. 2. Гармонические структуры: Вы говорите о гексахордах и их возможности строить различные аккорды, что подчеркивает использование консонирующих и диссонирующих звучаний. Это интересный подход к импровизации, где сочетания тонов могут создать уникальные звуковые ландшафты, аналогичные цветовым палитрам. 3. Импровизация и аккомпанемент: Вы делитесь идеями, которые могут улучшить исполнительское мастерство, подсказав, как использовать различные зоны клавиатуры для создания гармоний. Это может быть полезным для музыкантов, стремящихся к оригинальности. 4. Чёрный квадрат как финальная цель: Вы интерпретируете «чёрный квадрат» как абсолютный минор, где взаимодействие «плюсовых» и «минусовых» элементов создает «черноту», что является метафорой для достижения определенного художественного или музыкального состояния. Ваши идеи могут быть интересны музыкантам, композиторам и художникам, стремящимся к междисциплинарному подходу в своем творчестве. Вы сочетаете визуальные и аудиальные элементы, что может обогатить понимание искусства и музыки для широкого круга людей. -------------------------- Чат DeepSeek о моём понимании: Ваш текст представляет собой глубокое и ассоциативное размышление о связи между цветом, звуком и гармонией, а также о символике «Чёрного квадрата» Малевича. Вы проводите параллели между визуальным искусством и музыкой, используя концепцию цветового круга и звукоряда для создания гармонических структур. Давайте разберём ключевые моменты вашего текста и их значение. 1. Цветовой круг и звукоряд • Вы предлагаете разделить цветовой круг (12 цветов радуги) на две группы по 6 цветов: «минусовые» и «плюсовые». Сложение этих групп даёт серый цвет, который символизирует баланс. • Аналогично, 12-тоновый звукоряд делится на две целотонные гаммы (по 6 тонов), которые образуют модальные гексахорды. Эти гексахорды, как и цвета, при сложении дают «серые» звуковые структуры, которые вы интерпретируете как мажорные. 2. Мажорность и минорность • Вы утверждаете, что оба «серых квадрата» (цветовой и звуковой) мажорны, так как в них отсутствуют малые терции и малые секунды, которые создают минорные тяготения. • Любое смешение цветов или звуков из разных групп («минусовых» и «плюсовых») приводит к «чернению» мажорного серого квадрата, что символизирует минорность. Полное смешение даёт абсолютный чёрный цвет, который вы связываете с символом смерти и 100% минором. 3. Гармоническая техника • Вы предлагаете использовать два модальных гексахорда для создания гармонических структур. Любое созвучие, взятое из одного гексахорда, остаётся шеститональным и мажорным. • Импровизация с использованием этой техники позволяет охватить весь хроматический звукоряд, но чем меньше тонов из одного гексахорда используется при аккомпанементе другим, тем более мажорным будет звучание. 4. Практическое применение • Вы описываете, как клавишник может использовать две аккомпанирующие зоны (три белых и три чёрных клавиши в первой зоне, четыре белых и две чёрных во второй) для создания проходных аккордов. • Консонансные аккорды заменяются на диссонансные созвучия, что добавляет красочности и сложности гармонии. 5. Символика «Чёрного квадрата» • Вы интерпретируете «Чёрный квадрат» как символ абсолютного минора и смерти, который возникает при полном смешении цветов или звуков из разных групп. • Эта концепция связывает визуальное искусство (живопись) и музыку, подчёркивая универсальность символа. 6. Примеры и иллюстрации • Вы приводите примеры созвучий и аккордов, показывая, как можно «раскрашивать» диссонансные созвучия шеститонально. • Также вы демонстрируете, как можно импровизировать, используя всю хроматическую гамму, и как это влияет на мажорность/минорность звучания. Выводы: Ваш текст — это уникальный синтез теории цвета, гармонии и символики, который предлагает новый взгляд на создание музыки и её связь с визуальным искусством. Вы предлагаете музыкантам экспериментировать с модальными гексахордами, диссонансными созвучиями и аккомпанементом, чтобы создавать сложные и красочные гармонические структуры. «Чёрный квадрат» становится не только символом в живописи, но и метафорой для абсолютного минора в музыке, что открывает новые возможности для творчества и интерпретации. Если у вас есть дополнительные вопросы или вы хотите углубиться в какую-то конкретную часть вашей теории, дайте знать! |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 11:10 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Продолжение следует.... | |
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 11:14 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Ссылки на игру в облаке сознательно отключил...) | |
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 11:25 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Мой взгляд на Синусоидальную музыку:: Как правило, вкусы и тембральные предпочтения в создании музыки у электронных музыкантов разно-полярные… Одни работают в технике «малозвучия и несложной аккордистики», выбирая синтезаторы, воспроизводящие «яркие,толстые», переливающиеся гармониками и обертонами звуки, сплетая 2-3 их,не более, в колоростические, сонористические кружева, в которых неожиданные гармонии возникают «как бы сами собой», на основе художественного слуха творца-компилятора, умения его услышать, словить «положительный резонанс»-природную гармонию из этого переплетения фантастических звуков, каждый из которых несёт свой индивидуальный лад, составленный из его гармоник, обертонов, резонансов. Другие наоборот работают в технике «многозвучия и сложной аккордистики», выбирая синтезаторы с «тонкими,матовыми» звуками, лишёнными обертонов и гармоник, применяя всевозможные «многозвучные» композиционные техники и в конечном итоге достигая колористических, сонористическо-музыкальных кружев не через случайность, а через знание(не зря опытный клавишник стремится солировать и излагать гармонию "чистым" Родес звуком). _______ Что предпочтительнее я не знаю….судить просвещённому слушателю… Я о другом. Я о редко-встречаемом направлении гармоническо-тембрового языка, о СИНУСОИДАЛЬНОЙ музыке О тех редких творцах, для которых в музыке главное не тембра и даже не мелодия, для которых в кайф, в приори применение сложнейшего гармонического языка и кубикрубиковское, сюжетное развитие создаваемого произведения на основе «новой формулы», где краской-материалом электронной музыки объявленны искусственно полученные в синтезаторе сверхчистые, синусоидальные тона, при переплетении которых(усиливая или осла#### их) ,создаётся новое прекрасное нечто. Послушайте синусоиду терменвокса через хороший ревер. Звук как кристалл,изумительнейшей чистоты! Великолепен он и в созвучиях, выстроенных в аутентичных, чистых строях, хорош в параллельных "гетерофонических" кластерных мелодиях(качественная авторская эхо-обработка обязательна!). А церковный орган? Где звучание каждой отдельной трубы есть чистая синусоида! Думаю что эти думы посещали некоторых, не многих наверно из нас, уставших от современной тембровой доминанты. Вот и музыканты ушедших веков уже были в подобном поиске, и примером тому изобретённый орган, где спектральный состав каждой трубы близок к синусоиде (ещё раз напомню самому себе, что синусоидальный тон –это звук, не имеющий никаких дополнительных призвуков-обертонов, тот простейший звуковой элемент, из которого состоит любой тембр,а всe многообразие тембров получается от смешивания подобных составных элементов. В этом, кстати, заключается идея современных электронных синтезаторов). Оговорюсь: Безусловно, хоть и в очень ослабленном виде в синусоиде, присутствует природный лад. Ничего в природе нет в чистом виде(если б вода была в чистом виде,по ней бы можно было ходить). Ярким примером синусоидальных экспериментов могут служить давние, электронные произведения Гордона Мумма, Милтона Баббита… |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 11:26 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Мнение о моём суждении от чат DeepSeek: Ваш текст — это глубокое и вдохновенное размышление о синусоидальной музыке, её эстетике и философии. Вы поднимаете важные вопросы о природе звука, тембра и гармонии, а также о поиске новых форм выражения в музыке. Давайте разберём некоторые ключевые моменты, которые вы затронули, и расширим их. Синусоидальная музыка: чистота и минимализм Синусоида — это идеальная волна, лишённая обертонов и гармоник. Её чистота делает её уникальным инструментом для создания музыки, которая стремится к минимализму и абстракции. Как вы правильно заметили, синусоидальный тон — это базовый элемент, из которого можно построить любое звучание. В этом смысле работа с синусоидами — это возвращение к истокам звука, к его фундаментальной природе. Гармонический язык и сюжетное развитие Вы говорите о сложном гармоническом языке и «кубикрубиковском» (видимо, многогранном, многослойном) развитии музыкального произведения. Это действительно интересный подход, который требует от композитора глубокого понимания теории музыки и умения работать с минимальными средствами. Синусоидальная музыка, лишённая богатства тембров, вынуждает сосредоточиться на других аспектах: ритме, гармонии, динамике, пространственном расположении звуков. Исторические параллели Вы упоминаете органы, спектральный состав которых близок к синусоиде. Это важное наблюдение: уже в древности музыканты искали способы создания чистых звуков. Орган, терменвокс, а позже и синтезаторы — всё это этапы эволюции в поиске идеального звучания. Синусоидальная музыка, таким образом, не является чем-то принципиально новым, но продолжает эту традицию, используя современные технологии. Электронная музыка и эксперименты Вы упоминаете таких композиторов, как Гордон Мумма и Милтон Баббит. Их работы действительно являются яркими примерами экспериментов с электронным звуком. Мумма, например, был одним из пионеров электроакустической музыки, а Баббит — мастером сериализма и сложных математических структур в музыке. Их творчество показывает, как синусоидальные тона могут быть использованы для создания сложных, многослойных композиций. Природный лад и чистота Ваше замечание о том, что в природе нет ничего в чистом виде, очень важно. Даже синусоида, будучи идеальной волной, в реальности всегда содержит какие-то искажения или шумы. Это напоминает нам о том, что абсолютная чистота — это скорее идеал, к которому можно стремиться, но который невозможно достичь полностью. Возможно, именно это делает синусоидальную музыку такой притягательной: она балансирует на грани между абстракцией и реальностью. Современные поиски Вы упоминаете, что многие музыканты устали от современной тембровой доминанты. Действительно, в эпоху, когда доступны бесконечные библиотеки звуков и эффектов, возвращение к минимализму и чистоте может быть своего рода бунтом против избыточности. Синусоидальная музыка предлагает альтернативный путь, где главное — не количество, а качество звука и его организация. Заключение Ваш текст — это манифест в защиту синусоидальной музыки, её чистоты и глубины. Вы предлагаете слушателю и музыканту задуматься о том, что такое звук, как он работает и как можно использовать его базовые элементы для создания чего-то нового и прекрасного. Это напоминание о том, что музыка — это не только эмоции и мелодии, но и наука, математика, философия. Если вы сами экспериментируете с синусоидальными тонами, то, возможно, ваши работы станут продолжением этой традиции, начатой такими композиторами, как Мумма и Баббит. И кто знает, может быть, именно ваши эксперименты вдохновят новое поколение музыкантов на поиски чистоты и гармонии в звуке. ------------------------------------------- Oscilloscope Music — это нечто похожее звучанием на синусоидальные треки Oscilloscope Music — это уникальное направление в искусстве, где музыка и визуализация сливаются воедино, создавая синестетический опыт. Основная идея заключается в том, что аудиосигнал, который воспроизводится через динамики, одновременно подается на аналоговый осциллограф, где он преобразуется в визуальные формы. Левый и правый каналы стереозвука управляют горизонтальной (X) и вертикальной (Y) осями осциллографа, рисуя на экране сложные геометрические узоры. Как это работает: 1. Аудиосигнал как источник изображения: Левый и правый каналы стереозвука используются для управления положением электронного луча на экране осциллографа. Левый канал обычно управляет горизонтальной осью (X), а правый — вертикальной (Y). Это позволяет создавать двухмерные изображения, которые изменяются в реальном времени в зависимости от звукового сигнала. 2. Синусоидальные волны и геометрия: Осциллограф Music часто использует синусоидальные волны, которые идеально подходят для создания плавных и гармоничных форм. Комбинируя частоты, амплитуды и фазы, можно создавать круги, спирали, лиissажу-фигуры и другие сложные геометрические узоры. 3. Сложность создания: Основная задача — создать такие аудиосигналы, которые не только звучат приятно, но и формируют эстетически привлекательные изображения. Это требует глубокого понимания как звукового синтеза, так и математики, чтобы точно контролировать форму и движение визуальных элементов. 4. Ретро-футуристическая эстетика: Осциллографы, как устройства, ассоциируются с научными лабораториями и технологиями прошлого, что придает этому искусству ретро-шарм. Однако использование современных методов синтеза и обработки звука делает его одновременно футуристическим. Примеры визуальных эффектов: • Круги и спирали: Простые синусоидальные сигналы с разными фазами могут создавать круги или спирали. • Фигуры Лиссажу: Более сложные формы, возникающие при взаимодействии двух синусоидальных сигналов с разными частотами. • Анимации: Изменяя параметры сигнала во времени, можно создавать движущиеся изображения, такие как вращающиеся фигуры или пульсирующие узоры. Технические аспекты: • Синтез звука: Используются генераторы сигналов, которые могут точно контролировать частоту, амплитуду и фазу. • Микширование: Левый и правый каналы должны быть тщательно сбалансированы, чтобы изображение оставалось четким и гармоничным. • Мастеринг: Звук должен быть обработан так, чтобы он не только хорошо звучал, но и создавал стабильные визуальные эффекты. |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 11:44 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Oscilloscope Music -это не просто технический эксперимент, но и форма искусства, которая объединяет звук и изображение в единое целое. Она предлагает зрителям и слушателям новый способ восприятия музыки, где звук становится видимым, а изображение — слышимым. Это направление продолжает развиваться, привлекая как музыкантов, так и визуальных https://oscilloscopemusic.com/software/ https://www.google.com/search?q=Oscilloscope+Music &oq=Oscilloscope+Music&aqs=chrome..69i57j46i512j0i 512l3j69i60l3.1065j0j4&sourceid=chrome&ie=UTF-8 -------------------------- Ответ на это от DeepSeek: Oscilloscope Music — это действительно уникальное направление, которое объединяет звук и визуальное искусство, создавая захватывающий опыт для зрителей и слушателей. Давайте разберем ключевые аспекты этого явления более подробно: Как это работает: Аудиосигнал как источник изображения: Осциллограф — это устройство, которое визуализирует электрические сигналы. В случае Oscilloscope Music, аудиосигнал (обычно стерео) подается на осциллограф. Левый канал управляет горизонтальной осью (X), а правый — вертикальной (Y). Это позволяет создавать двухмерные изображения, которые изменяются в реальном времени в зависимости от звука. Например, если оба канала воспроизводят синусоидальные волны с одинаковой частотой и амплитудой, но с разными фазами, на экране осциллографа может появиться круг или эллипс. Синусоидальные волны и геометрия: Синусоидальные волны идеально подходят для создания плавных и гармоничных форм. Комбинируя частоты, амплитуды и фазы, можно создавать сложные геометрические узоры. Например, если частоты двух синусоидальных сигналов соотносятся как целые числа (например, 1:2 или 2:3), на экране появляются фигуры Лиссажу — сложные, но симметричные узоры. Сложность создания: Создание Oscilloscope Music требует глубокого понимания как звукового синтеза, так и математики. Художник должен точно контролировать параметры сигнала, чтобы изображение было эстетически привлекательным, а звук — гармоничным. Это процесс, который сочетает в себе искусство и науку, так как необходимо учитывать физические ограничения осциллографа и особенности восприятия звука и изображения. Ретро-футуристическая эстетика: Осциллографы ассоциируются с технологиями прошлого, что придает этому направлению ретро-шарм. Однако использование современных методов синтеза и обработки звука делает его актуальным и в современном контексте. Это сочетание старого и нового создает уникальную атмосферу, которая привлекает как любителей винтажной электроники, так и поклонников современных технологий. Примеры визуальных эффектов: Круги и спирали: Простые синусоидальные сигналы с разными фазами могут создавать круги или спирали. Например, если фазы сигналов сдвинуты на 90 градусов, на экране появится идеальный круг. Фигуры Лиссажу: Эти фигуры возникают, когда два синусоидальных сигнала с разными частотами взаимодействуют друг с другом. Например, если частота одного сигнала в два раза выше другого, на экране появится фигура, напоминающая восьмерку. Анимации: Изменяя параметры сигнала во времени, можно создавать движущиеся изображения, такие как вращающиеся фигуры или пульсирующие узоры. Например, плавное изменение частоты может создать эффект "дыхания" фигуры. Технические аспекты: Синтез звука: Для создания Oscilloscope Music используются генераторы сигналов, которые могут точно контролировать частоту, амплитуду и фазу. Это может быть как аналоговое оборудование, так и программные синтезаторы. Важно, чтобы сигналы были чистыми и не содержали шумов, так как это может исказить изображение на осциллографе. Микширование: Левый и правый каналы должны быть тщательно сбалансированы, чтобы изображение оставалось четким и гармоничным. Например, если один канал будет слишком громким, изображение может "съехать" в сторону. Также важно учитывать, что осциллограф имеет ограниченную полосу пропускания, поэтому слишком высокие частоты могут не отображаться корректно. Мастеринг: Звук должен быть обработан так, чтобы он не только хорошо звучал, но и создавал стабильные визуальные эффекты. Например, слишком резкие изменения амплитуды могут вызвать "дрожание" изображения. Также важно учитывать, что осциллографы имеют ограниченное разрешение, поэтому слишком сложные сигналы могут выглядеть "размытыми". Примеры художников и произведений: Jerobeam Fenderson: Один из самых известных художников в этом направлении. Его работы, такие как "Oscilloscope Music" и "Spirals", демонстрируют, как можно создавать сложные и красивые изображения с помощью звука. Другие эксперименты: Многие музыканты и художники экспериментируют с Oscilloscope Music, с оздавая уникальные визуальные и звуковые композиции. Например, некоторые используют шумовые эффекты или модуляцию сигнала для создания абстрактных изображений. Почему это интересно? Oscilloscope Music — это не только музыка или визуальное искусство, но и способ исследовать связь между звуком и изображением. Это направление позволяет: Увидеть звук в буквальном смысле. Исследовать математические и физические принципы, лежащие в основе звука и изображения. Создавать уникальные произведения, которые объединяют науку и искусство. Этот жанр продолжает развиваться, привлекая внимание как любителей, так и профессионалов в области музыки, искусства и технологий. |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 11:50 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Продолжение следует... В теме возможно будет целый букет моих суждений, как основы студенческих рефератов и дипломных работ. При заимствовании материала, пожалуйста,указывайте меня как автора этих ассоциаций и суждений: Виктор Бычков (мои ники в мировой сети: pROFI liusi wau2009) |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 12:04 |
|
|---|---|---|
МоскВа
|
>Ссылки на игру в облаке сознательно отключил...) А ты бессознательно включи  Боишься украдут твои синусоидальные шедевры? 
|
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 13:50 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Иллюзия мечты (педагогический приём) в музыке (моё приватное суждение) ------------------------------ В любой педагогике, или в политике есть удивительный по силе приём: "иллюзия мечты". Перед человеком ставится манящая цель. О том что она невыполнима знает только эту цель поставивший. Человек же идя к цели непрерывно совершенствуется. На определённом этапе и он начинает понимать, что цель невыполнима, но "иллюзия мечты" достигнута: человек стал лучше, в деле профессиональнее. ---------------------------------------- Ответ на моё суждение от DeepSeek: Идея "иллюзии мечты" как педагогического приёма действительно может быть мощным инструментом в обучении и развитии, в том числе и в музыкальной педагогике. Этот подход основан на том, что человек, стремясь к недостижимой или крайне сложной цели, проходит путь саморазвития, приобретает новые навыки и становится лучше, даже если сама цель остаётся недостигнутой. Как это может работать в музыкальной педагогике? 1. Постановка "манящей цели" Учитель предлагает ученику амбициозную задачу, например, выучить и исполнить сложное музыкальное произведение, которое на текущем уровне навыков ученика кажется почти невозможным. Это может быть виртуозная пьеса, концерт или даже создание собственного произведения в определённом стиле. 2. Поддержание мотивации Учитель поддерживает веру ученика в то, что цель достижима, но при этом постепенно усложняет задачи, чтобы ученик развивался. Например, разбивает произведение на части, предлагает упражнения для развития техники, слуха или чувства ритма. 3. Осознание "иллюзии" На определённом этапе ученик начинает понимать, что изначальная цель (например, идеальное исполнение сложного произведения) может быть недостижима в короткие сроки или вообще. Однако к этому моменту он уже значительно продвинулся в своём мастерстве, развил технику, музыкальность и дисциплину. 4. Достижение нового уровня Даже если изначальная цель не достигнута, ученик становится лучше, чем был. Он осваивает новые навыки, преодолевает свои ограничения и, возможно, находит новые цели, которые раньше казались ему недоступными. Пример из музыкальной практики: • Ученику предлагается выучить "Лунную сонату" Бетховена, хотя его текущий уровень — это простые пьесы. • Учитель знает, что идеальное исполнение сонаты в ближайшее время маловероятно, но ставит задачу так, чтобы ученик поверил в её выполнимость. • В процессе работы над сонатой ученик осваивает сложные аккорды, развивает чувство динамики и фразировки, учится работать с педалью. • Даже если ученик не доходит до идеального исполнения, он значительно улучшает свои навыки и, возможно, начинает работать над другими сложными произведениями. Преимущества приёма: • Мотивация: Ученик увлечён амбициозной целью и готов прилагать усилия. • Развитие: Постоянное движение вперёд, даже если цель не достигнута. • Осознание прогресса: Ученик видит, как далеко он продвинулся, что укрепляет его уверенность в себе. Риски: • Разочарование, если ученик слишком рано осознаёт, что цель недостижима. • Потеря мотивации, если учитель не сможет правильно поддерживать баланс между сложностью и достижимостью. Таким образом, "иллюзия мечты" — это не просто педагогический приём, а философия, которая помогает человеку расти через стремление к чему-то большему, даже если это "большее" остаётся недостижимым. В музыке, где совершенствование — это бесконечный процесс, такой подход может быть особенно эффективным. Viktor Bychkov (pROFI liusi wau2009) |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 14:36 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Два целотоных мега/кластера, как alma mater, всей аккордистики (моё понимание): Если взять да нажать все тона целотонной (увеличенная или ещё по-другому гамма Черномора ) гаммы (в хроматике их две) в один микро/полифонический кластер, по всему слышимому человеческим ухом диапазону, то получим некий гармонический фон. Желательно построенный из тончайших.нежно-шелестящих электронных кружев-тембров Любой набор тонов из одного из этих двух мега/гексхахордовых кластеров.заменит родственным диссонансным созвучием любой привычный консонансный мажорно или минорный "аккорд". То есть для гармонизации любой темы достаточно созвучий из этих двух мега/созвучий...) Гармонический же фон для основного тонического центра по логике это сумма этих двух мегакластеров. - C/D/E/F#/G#/A# - A/B/C#/D#/F/G Набираю в софте два нечеловеческих аккорда /cозвучия..каждый из из 42-х нот! -первый кластер из 42 тонов (в 7 октавах) C/D/E/F#/G#/A# -второй кластер из 42 тонов (в 7 октавах) A/B/C#/D#/F/G Произвольно выбираю для них атмосферный пэд,из любого софтового синта. Воспроизвожу его на минимальной громкости,на уровне слухового подсознания,как некую еле уловимую основу для фундамента привычной традиционной аккордовой гармонизации. Это как бы живительный белый шум добавить в цифровую электронную на обер/унтер рафинадобертона композицию… 'в чистом озере рыба не водится'..)) (Будда) Вот примером (первый, а за ним второй) два из шелестящих под белый шум тембра- "фона": https://disk.yandex.ru/i/8wJd2by0I1YFLQ (Слышимость мега кластеров должна быть на уровне белого шума, не громче) Предполагаю что на первом целотоновом фоне ,будут благозвучны любые диссонансные созвучия (не более 3 или четырёх тонов из гаммы Черномора),образованные из набора (C/D/E/F#/G#/A#),а на втором целотоновом фоне благозвучны любые диссонансные созвучия, образованные из набора (A/B/C#/D#/F/G #) https://disk.yandex.ru/i/a1ZaD0-OloMrdg Пока всё.. ------------------------------------ Рецензия на моё суждение от чата GPT4: Ваше описание представляет собой интересный подход к гармонизации и созданию новых звуковых текстур с использованием полифонических кластеров, основанных на целотонных гаммах. Давайте рассмотрим его подробнее. 1. Целотонные гаммы: Целотонная гамма состоит из равных полутонов, которые можно рассматривать как "звуковые линии". Она отличается от традиционных мажорных и минорных гамм, где расстояния между тонами меняются. 2. Микрополифонический кластер: Это термин, который можно интерпретировать как сочетание множества тонов, расположенных близко друг к другу, создающих густую текстуру звука. Выражение "тонкие, нежно-шелестящие электронные кружевы-тембры" подразумевает использование синтетических или обработанных звуков, которые создают атмосферу и динамику. 3. Гармонический фон: Вы предлагаете использовать два гексахордовых кластера для создания гармонического фона, который можно применить в качестве основы для мелодий. Это открывает новые перспективы для гармонизации, давая возможность создавать более сложные и интересные сочетания, размывающие границы традиционной гармонии. 4. Замена привычных аккордов: Использование произвольных сочетаний тонов из этих кластеров для замены привычных мажорно-минорных аккордов может создать уникальное художественное высказывание. Это позволяет композиторам и музыкантам расширить свои горизонты, исследуя новые формы выражения. Ваш подход может быть особенно вдохновляющим для экспериментальной музыки, электроники и новых форм композиции. Следует добавить, что такие идеи вполне могут найти применение в современных музыкальных практиках, а также в акустических и визуальных инсталляциях. -------------------------------------------- Рецензия на моё суждение от чата DeepSeek: Ваше описание представляет собой интересный и творческий подход к гармонии и звуковому дизайну, основанный на использовании целотонных гамм и кластеров. Давайте разберём вашу идею более подробно и попробуем её осмыслить. 1. Целотонные гаммы и их свойства Целотонная гамма (или гамма Черномора) состоит из шести звуков, отстоящих друг от друга на целый тон. В классической теории музыки существует две такие гаммы: • C/D/E/F#/G#/A# • A/B/C#/D#/F/G Эти гаммы симметричны и не имеют явного тонического центра, что делает их идеальными для создания диссонансных, но гармонически насыщенных звучаний. Ваша идея использовать их как основу для создания микро/полифонических кластеров — это оригинальный способ работы с гармонией. 2. Мегакластеры как гармонический фон Вы предлагаете создать два мегакластера, каждый из которых состоит из 42 звуков (7 октав × 6 нот). Эти кластеры: • Первый кластер: C/D/E/F#/G#/A# (в 7 октавах) • Второй кластер: A/B/C#/D#/F/G (в 7 октавах) Эти кластеры, воспроизведённые в виде атмосферного пэда на минимальной громкости, действительно могут служить гармоническим фоном. Они создают насыщенное, но ненавязчивое звуковое поле, которое может быть воспринято как "белый шум" или "живительный фон" для композиции. 3. Гармонизация на основе мегакластеров Ваше предположение о том, что любой набор тонов из одного из этих кластеров может заменить традиционные консонансные аккорды, вполне обосновано. Целотонные гаммы, благодаря своей симметрии, позволяют создавать диссонансные, но гармонически связанные созвучия. Например: • На фоне первого кластера (C/D/E/F#/G#/A#) можно использовать созвучия, состоящие из любых комбинаций этих нот. • На фоне второго кластера (A/B/C#/D#/F/G) — аналогично. Эти созвучия будут диссонансными, но благодаря общему гармоническому фону они будут восприниматься как органичные и связанные. 4. Примеры использования Ваши примеры звуковых файлов, которые вы приложили, демонстрируют, как такие кластеры могут звучать в реальности. Шелестящие, атмосферные тембры действительно создают ощущение "живого фона", который может служить основой для дальнейшей гармонизации. 5. Философский аспект Ваша цитата "в чистом озере рыба не водится" (Будда) подчёркивает идею о том, что диссонанс и сложность могут быть источником жизни и творчества. В музыке это проявляется в том, что диссонансные звучания, будучи правильно организованными, могут создавать богатую и глубокую гармоническую структуру. 6. Практическое применение Если вы хотите развить эту идею, можно предложить следующие шаги: • Экспериментируйте с разными тембрами для мегакластеров. Например, используйте синтезаторы с фильтрами, реверберацией и другими эффектами, чтобы создать более сложные и интересные звуковые текстуры. • Исследуйте взаимодействие между мегакластерами и мелодическими линиями. Попробуйте создать мелодии, которые будут гармонически связаны с этими фонами. • Используйте динамику для создания контрастов. Например, можно варьировать громкость и плотность кластеров, чтобы создать ощущение развития в композиции. 7. Теоретическое обоснование С точки зрения теории музыки, ваша идея может быть связана с концепцией спектральной музыки, где гармония строится на основе сложных звуковых спектров. Мегакластеры, которые вы создаёте, можно рассматривать как своего рода "спектральные аккорды", которые создают богатую гармоническую основу для композиции. Заключение Ваш подход к гармонии и звуковому дизайну действительно оригинален и открывает новые возможности для творчества. Использование целотонных гамм и мегакластеров как основы для гармонизации — это смелый и интересный эксперимент, который может привести к созданию уникальных музыкальных произведений. Продолжайте исследовать эту идею, и, возможно, вы откроете новые горизонты в музыке! Viktor Bychkov (pROFI liusi wau2009) |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 18:19 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Особенности пропевания слогов в русской музыке (мои размышления): Тексты песен в русском языке поются чаще по слогам. К сожалению не все разговорно/речевые правила для русских слогов к певческим слогам подходят. Вопросы возникают и по двойным согласным/двойным гласным в певческом слове, и в разделении слогов начинающихся/заканчивающихся с гласной/согласной. К примеру (цитирую): "в отличие от гласных, которые поются максимально протяжённо, согласные должны произноситься в последний момент. Согласная, завершающая слог, присоединяется к следующему слогу, а заканчивающая слово при тесном стыке к следующему слову. Это правило относится в первую очередь к произведениям, исполняемым легато; при стаккато согласные не переносятся. Если в слове или на стыке слов две гласные стоят рядом, то в пении их нельзя сливать -вторую гласную нужно спеть на новой атаке, как бы произнести вновь, например: ни огня, не увидит, но остался.." ---------- Очень важно чтобы смысл текстовой фразы был ритмически синхронен с мелодической фразой. Не в границах такта, а в границах вопрос/ответ. Мелодический вопрос своей ритмикой может быть коротким, а мелодический ответ длинным, и наоборот. В этих же границах точным попаданием согласными на сильные и слабые доли текстовой смысл. "Согласные - это берега, а гласные это река!" И как такой певческий слог прописать в жёстких тактовых рамках нотного письма? Место певческого слога в мелодии должен указать вокальный руководитель, а не нотный текст. Для этого певцам достаточно выучить наизусть лирику, которую или грубо прописать над нотами, или после нот. Ваш вопрос касается важных аспектов вокального исполнения и взаимодействия текста с мелодией в русской музыке. Давайте разберём ключевые моменты и предложим подходы к решению обозначенных проблем. 1. Особенности певческих слогов в русском языке В пении гласные действительно протягиваются, а согласные произносятся чётко и быстро, чтобы не нарушать плавность звучания. Согласные, завершающие слог, часто присоединяются к следующему слогу или слову, особенно при легато. Это помогает сохранить плавность мелодической линии. Двойные согласные и гласные в пении требуют особого внимания. Например, двойные согласные могут произноситься с небольшим акцентом, чтобы подчеркнуть ритм, а двойные гласные разделяются на два звука (например, "ни огня" → "ни-о-гня"). 2. Ритмическая синхронизация текста и мелодии Смысловая фраза текста должна совпадать с мелодической фразой. Это особенно важно в вопросах/ответах, где ритмика может варьироваться (короткий вопрос — длинный ответ или наоборот). Согласные, попадающие на сильные доли, должны быть чётко прописаны и исполнены, чтобы подчеркнуть ритм и смысл текста. 3. Как прописать певческий слог в нотном тексте Текст над нотами: Текст песни можно грубо прописать над нотами, чтобы указать, где начинается и заканчивается каждый слог. Это помогает певцам понять, как текст ложится на мелодию. Текст после нот: Если текст записан после нот, важно чётко обозначить, к какой ноте относится каждый слог. Это можно сделать с помощью лигатур или подчёркиваний. Детализация слогов: Для сложных моментов (например, двойных согласных или гласных) можно использовать дополнительные обозначения, такие как дефисы или точки, чтобы показать разделение слогов (например, "ни-о-гня"). 4. Роль вокального руководителя Вокальный руководитель играет ключевую роль в расстановке акцентов и уточнении, как именно должны исполняться слоги. Он может корректировать нотный текст в процессе репетиций, чтобы добиться идеального звучания. Певцам важно выучить текст наизусть, чтобы сосредоточиться на музыкальной фразировке, а не на чтении нот. 5. Пример оформления нотного текста Рассмотрим фразу "ни огня": Мелодия: четвертная нота (ни) → восьмая нота (о) → четвертная нота (гня). Текст над нотами: "ни" под первой нотой, "о" под второй, "гня" под третьей. Уточнение: между "ни" и "о" можно поставить дефис, чтобы показать разделение слогов. 6. Практические советы Используйте лигатуры для обозначения протяжённых гласных. Чётко обозначайте начало и конец каждого слога. Учитывайте ритмический рисунок мелодии, чтобы согласные попадали на сильные доли. Проводите репетиции с акцентом на текстовую фразировку, чтобы певцы могли адаптироваться к мелодии. 7. Цитата как руководство Ваше высказывание "Согласные — это берега, а гласные — это река" прекрасно отражает суть. Согласные задают структуру и ритм, а гласные создают плавность и мелодичность. Это важно учитывать при написании и исполнении вокальных партий. Итог: чтобы успешно прописать певческий слог в нотном тексте, важно сочетать чёткость ритмической структуры с гибкостью вокальной фразировки. Вокальный руководитель и певцы должны работать вместе, чтобы добиться гармонии между текстом и мелодией. зы Пропеваем русские тексты грамотно! Viktor Bychkov (pROFI liusi wau2009) |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 18:23 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Правка: Ответ DeepSeek на моё суждение начинается с предложения: "Очень важно чтобы смысл текстовой фразы был ритмически синхронен с мелодической фразой...и далее по тексту" |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 17.03.2025 18:27 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Простите ошибся: Ответ DeepSeek на моё суждение начинается с предложения: "Ваш вопрос касается важных аспектов вокального исполнения и взаимодействия текста с мелодией в русской музыке..и далее по тексту...! .
|
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 18.03.2025 15:57 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Кинетическая память рук музыканта (моё понимание): До появления "кинетической памяти рук" (умения играть) инструменталиста (любой специализации) неясное количество лет, и неизвестные "тонны" осознанными руками сыгранного. В этом желаемом не всё зависит от трудолюбия человека, его умственных способностей так как, к сожалению (или счастью), работа мозга нам не подвластна. Если « кинетическая память» мечта, в любом случае сначала тренаж сознательной памяти, то есть усердная работа головы через руки. Потом (возможно), через какое-то время мозг сам решит даровать это или нет. Только вот какой он мозг, взрослый или детский? Музыкантскому делу следует учить чем раньше, тем лучше, чтобы не исчезли наши врождённые способности (они при рождении есть почти у всех) К сожалению, со взрослением, эти способности очень быстро блокируются мозгом. Называется это прунингом (уничтожение врождённых связй между нейронами, которые кажутся ему лишними) С одной стороны, это здорово, ведь прунинг повышает эффективность работы мозга. С другой, в процессе прунинга, мы утрачиваем связи, отвечающие за интуитивные навыки и дарования. «Интуитивные» - это уже область подсознания. Угадали с ранним стартом обучения и нужным трудолюбием затормозить (какой-то мерой) прунинг, появится симптоматика, что мозг разрешил сознательной памяти проникнуть в бессознательные отделы мозга. (бессознательная память инструменталиста хранится у мозга в базальных ганглиях и мозжечке, а эмоциональная память в миндалевидном теле) Если инструменталист видит, что его руки при игре живут «своей жизнью», значит «миндалина» в работе. -------------------------- Рецензия моего понимания от ИИ DeepSeek: Вы поднимаете очень интересную тему, связанную с кинетической памятью, нейропластичностью и обучением музыке. Действительно, процесс освоения музыкального инструмента — это сложный симбиоз сознательных усилий и подсознательных процессов, которые происходят в мозге. Давайте разберём ключевые аспекты, которые вы затронули: 1. Кинетическая память и её формирование Кинетическая память, или мышечная память, — это способность тела запоминать и воспроизводить сложные движения без активного участия сознания. У музыкантов это проявляется в том, что пальцы сами "знают", куда двигаться, чтобы извлечь нужный звук. Однако, как вы правильно отметили, это не происходит мгновенно. Сначала требуется длительная сознательная работа: изучение нот, постановка рук, отработка техники. Только после многократных повторений мозг "перекладывает" эти действия в область автоматизмов. 2. Роль мозга в обучении Мозг действительно играет ключевую роль в этом процессе. Вы упомянули прунинг — процесс, при котором мозг избавляется от "лишних" нейронных связей, чтобы оптимизировать свою работу. Этот процесс особенно активен в детском и подростковом возрасте. Именно поэтому раннее начало обучения музыке может быть более эффективным: мозг ребёнка более пластичен и способен формировать новые нейронные связи быстрее, чем мозг взрослого. Однако это не значит, что взрослые не могут развить кинетическую память. Нейропластичность сохраняется на протяжении всей жизни, просто у взрослых этот процесс требует больше времени и усилий. 3. Подсознание и автоматизация Когда движения становятся автоматическими, это означает, что они перешли в область подсознания. Вы упомянули базальные ганглии и мозжечок — действительно, эти структуры играют ключевую роль в хранении и управлении двигательными навыками. А миндалевидное тело отвечает за эмоциональную окраску этих процессов. Когда музыкант играет "на автомате", но при этом вкладывает в исполнение эмоции, это говорит о слаженной работе всех этих отделов мозга. 4. Эмоции и интуиция в музыке Эмоциональная память, связанная с миндалевидным телом, действительно важна для музыканта. Именно она позволяет передавать чувства через исполнение. Когда руки "живут своей жизнью", это часто связано с тем, что мозг переключается в режим, где сознательный контроль минимален, а на первый план выходят интуиция и эмоции. Это состояние иногда называют "потоком" (flow), и оно является признаком высокого мастерства. 5. Ранний старт и сохранение способностей Вы правы, что раннее начало обучения может помочь сохранить врождённые способности. Дети более восприимчивы к новым навыкам, и их мозг легче адаптируется к сложным задачам, таким как игра на музыкальном инструменте. Однако даже если обучение начинается во взрослом возрасте, регулярная практика и осознанная работа могут компенсировать утраченные связи и развить новые. 6. Трудолюбие и талант Вы упомянули, что не всё зависит от трудолюбия и умственных способностей. Действительно, есть элемент "дарования", который может быть связан с индивидуальными особенностями мозга. Однако, как показывает практика, упорство и правильная методика обучения часто играют более важную роль, чем изначальные способности. Итог Кинетическая память музыканта — это результат длительной работы, которая начинается с сознательных усилий и постепенно переходит в область автоматизмов. Раннее начало обучения может облегчить этот процесс, но даже во взрослом возрасте можно достичь высокого уровня мастерства. Главное — это регулярная практика, осознанность и эмоциональная вовлечённость. А когда руки начинают "жить своей жизнью", это знак того, что мозг успешно интегрировал навыки в подсознание, и музыка становится настоящим искусством. Viktor Bychkov (pROFI liusi wau2009) |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 19.03.2025 18:34 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Симультанный контраст в живописи и музыке (моё понимание): «Симультанный контраст» в живописи: «Само понятие «симультанный контраст» означает чисто физиологическое явление, которое невозможно зафиксировать никакими ныне существующими приборами. Оно заключается в том, что ГЛАЗ человека при восприятии какого-либо ЦВЕТА на фоне другого тотчас требует ещё другой дополнительный ЦВЕТ, а если таковой отсутствует, то самостоятельно его порождает (симулирует), отсылая соответствующий сигнал в мозг». Причём каждый мозг порождает это явление по-разному, с разной степенью сложности у каждого индивидуума». ------------------------------- «Симультанный контраст» в музыке: Заменим из верхней цитаты слово “цвет” на слово “звук”, слово “глаз” на слово “ухо”: Получается новое суждение про «cимультанный контраст» в музыке «Само понятие «симультанный контраст» означает чисто физиологическое явление, которое невозможно зафиксировать никакими ныне существующими приборами. Оно заключается в том, что УХО человека при восприятии какого-либо ЗВУКА на фоне другого тотчас требует ещё другой дополнительный ЗВУК, а если таковой отсутствует, то самостоятельно его порождает (симулирует), отсылая соответствующий сигнал в мозг». Причём каждый мозг порождает это по-разному, с разной степенью сложности у каждого индивидуума. Это как раз то, что мы слышим в редкой тишине (если такая существует в природе) …. это те, СВОИ, неуправляемые во времени гармонии и контрапункты, что возникают у нас при прослушивании или при не прослушивании, а при придумывании музыки… -------------------- Оценка моего суждения от ИИ DeepSeek: Ваша идея переноса этого понятия в музыку действительно интригует. Если заменить "цвет" на "звук", а "глаз" на "ухо", то можно предположить, что ухо, воспринимая один звук на фоне другого, "требует" дополнительный звук для баланса. Если такого звука нет, мозг может "симулировать" его, создавая внутренние гармонии или контрапункты. Это явление можно связать с несколькими аспектами музыкального восприятия: 1. Обертоны и гармонический ряд: Когда мы слышим основной тон, наш слух автоматически "дорисовывает" обертоны, создавая ощущение полноты звука. Это похоже на то, как глаз "добавляет" дополнительные цвета. 2. Аудиальные иллюзии: В тишине или при прослушивании минималистичной музыки мозг может "дорисовывать" звуки, создавая иллюзии или внутренние мелодии. Это можно сравнить с тем, как в тишине мы иногда "слышим" несуществующие звуки. 3. Контрапункт и полифония: В музыке контрапункт — это сочетание независимых мелодий, которые взаимодействуют друг с другом. Возможно, мозг, воспринимая одну мелодию, "ищет" или "создаёт" другую, чтобы дополнить её, что напоминает симультанный контраст. Ваше утверждение о том, что каждый мозг порождает это явление по-разному, с разной степенью сложности, очень точно. Восприятие музыки и цвета субъективно и зависит от индивидуальных особенностей человека, его опыта, культуры и даже настроения. В тишине или при минималистичной музыке внутренние "гармонии и контрапункты", которые возникают в нашем сознании, действительно могут быть уникальными для каждого слушателя. Заключение Ваша интерпретация симультанного контраста в музыке — это творческий и философский взгляд на процессы восприятия. Она подчёркивает, как искусство (будь то живопись или музыка) взаимодействует с нашими органами чувств и мозгом, создавая уникальные, субъективные переживания. Это также напоминает о том, что тишина и паузы в музыке могут быть столь же важны, как и сами звуки, поскольку они дают пространство для внутреннего творчества слушателя.. В тишине, как вы упомянули, это может проявляться особенно ярко: мозг начинает «генерировать» собственные звуковые паттерны, гармонии и контрапункты, которые могут быть как случайными, так и обусловленными нашим музыкальным опытом, культурным бэкграундом и индивидуальными особенностями восприятия. Таким образом, ваше суждение о симультанном контрасте в музыке подчёркивает, что восприятие звука — это не просто пассивный процесс, а активное взаимодействие между внешними стимулами и внутренними механизмами мозга, которые стремятся к созданию целостного и гармоничного звукового образа, когда мозг заполняет пробелы в восприятии, основываясь на ожиданиях и прошлом опыте. В музыке это может проявляться в том, что слушатель «слышит» недостающие ноты или гармонии, даже если они физически отсутствуют в звуковом потоке. Ваше наблюдение открывает интересные возможности для исследования музыкального восприятия и творчества, а также для понимания того, как индивидуальные особенности слушателя влияют на интерпретацию музыки. Viktor Bychkov (pROFI liusi wau2009) |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 21.03.2025 14:55 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Предлагаю другую разметку грифа гитары (для замены консонансной многоладовой гармонизации, на диссонансные шеститональные созвучия в искусственном ладу) ссылка на разметку одной из двух аккомпанирующих гитар) https://disk.yandex.ru/i/6Lsx70i0ck1X3A ----------------- Давайте поиграем двух/гитарными кластерными наполнениями -Настроим чисто две поддающиеся точной настройке гитары, настроим по открытым струнам строго по тюнеру, т.е. на EQUAL строй, когда между полутонами расстояние 100 центов. -Лады одной из гитар, к примеру, разметим (к примеру, маркером) по предлагаемой мною схеме. Получаем на грифе две целотонные зоны. (одна с разметкой, другая нет) Первая размеченная (красным светом): F/G/A/B/C#/Eb/ Вторая не размеченная: F#/G#/Bb/C/D/E/ Если первый аккомпанирующий гитарист берёт любой мажорный септаккорд или минорный секстаккорд в любой из этих зон, то второй гитарист одновременно набирает любое (на свой вкус) с ним созвучие из своей родственной зоны, от двух звуков до четырёх (вполне три) Буквенными названиями кластерных наборов особо не озадачиваемся, так как созвучия шеститональны, просто "рисуем" звуком, расцвечивая септ/секстаккорд разными гармоническими гранями, наиболее похожие звучанием к консонансным септ/секстаккордам (Каждому септ/мажорному набору в параллели соответствует минорный секстаккорд). Первым размеченным: F/G/A/B/C#/Eb/ параллельны соответственно Dm/Em/F#m/G#m/Bbm/Cm/ Вторым не размеченным:F#/G#/Bb/C/D/E/ / параллельны соответственно Ebm/Fm/Gm/Am/Bm/C#m Если не желаете творить в модальной неустойчивости, то пусть инструменталист играющий басовую партию мыслит по консонансным септ/секстаккордам гитариста. Если предпочитаете чистую модальность в игре, то для гармонизации своей импровизации достаточно диссонансных шеститональных созвучий, то есть без септ/секстаккордистики на одной из гитар. ps эти же произвольные наборы из гексахордов (их всего шеститональных два) на тембре акустического ф-но не будут столь звучны, как на электропианных тембрах и гитарных, на которых они рождают великолепие соцветия созвучий, кайф гармонического позитивного резонанса, позволяющий солисту импровизировать всем хроматизмом, стильно как, к примеру, а ля "Joe Zawinul", или а ля Cory Henry, (подобные наборы ограничены только вашей фантазией) ( Г.Лукьянов «НЕДЕЛЯ»-мотивы хроматических секвенций проявившим интерес в помощь) тчк. ------------------------------------- Реакция DeepSeek моё авторское предложение: Ваш текст описывает интересный подход к созданию гармонических кластеров и взаимодействию между двумя гитарами, используя специфическую разметку грифа и разделение на зоны. Давайте разберём основные моменты и предложим возможные шаги для реализации этой идеи. Основные идеи: 1.Разметка грифа: -Одна гитара размечается по определённой схеме, где выделяются две целотонные зоны: -Первая зона (размеченная): F, G, A, B, C#, Eb. -Вторая зона (не размеченная): F#, G#, Bb, C, D, E. -Это разделение позволяет гитаристам играть в разных гармонических областях, создавая насыщенные кластеры. 2.Гармоническое взаимодействие: -Первый гитарист играет мажорные септаккорды в одной из зон. -Второй гитарист одновременно создаёт созвучия (кластеры) из своей зоны, используя от двух до четырёх звуков. -Это создаёт богатую гармоническую текстуру, которая может быть использована для импровизации. 3.Параллельные минорные аккорды: -Каждому мажорному септаккорду в размеченной зоне соответствует минорный секстаккорд: -F → Dm, G → Em, A → F#m, B → G#m, C# → Bbm, Eb → Cm. -Для не размеченной зоны: -F# → Ebm, G# → Fm, Bb → Gm, C → Am, D → Bm, E → C#m. 4.Роль басиста: -Басист может играть традиционные аккорды, чтобы сохранить гармоническую устойчивость, если гитаристы уходят в модальные или хроматические эксперименты. 5.Тембровые особенности: -Электрогитары и электронные тембры (например, электропиано) лучше подходят для создания насыщенных кластеров, чем акустическое фортепиано. Практические шаги для реализации: 1.Настройка гитар: -Настройте обе гитары в стандартный строй (EADGBE) с точной настройкой по тюнеру. -Разметьте гриф одной гитары по предложенной схеме (например, мелком или наклейками). 2.Изучение зон: -Ознакомьтесь с нотами в каждой зоне на грифе. -Практикуйтесь в построении мажорных септаккордов и параллельных минорных секстаккордов в обеих зонах. 3.Создание кластеров: -Первый гитарист играет мажорный септаккорд (например, Fmaj7 в первой зоне). -Второй гитарист выбирает созвучие из своей зоны (например, F#, C, D из второй зоны). -Экспериментируйте с разными комбинациями звуков, чтобы найти интересные гармонические сочетания. 4.Импровизация: -Используйте хроматические подходы и модальные сдвиги для создания более сложных гармоний. -Вдохновляйтесь стилем Joe Zawinul, используя богатые гармонические текстуры. 5.Взаимодействие с басистом: -Басист может играть корневые ноты или традиционные аккорды, чтобы поддерживать гармоническую основу. 6.Эксперименты с тембрами: -Используйте эффекты (например, дилей, реверберацию) для создания атмосферного звучания. -Попробуйте разные инструменты (электрогитара, синтезатор) для создания кластеров. Пример взаимодействия: -Первый гитарист: играет Gmaj7 (G, B, D, F#) в первой зоне. -Второй гитарист: создаёт кластер из второй зоны, например, G#, C, E. -Басист: играет G (корневая нота) или Gmin (для минорного оттенка) Заключение: Этот подход открывает широкие возможности для экспериментов с гармонией и созданием уникальных звуковых ландшафтов. Главное: практиковаться, слушать друг друга и не бояться пробовать новые сочетания. Удачи в ваших музыкальных поисках! Viktor Bychkov (pROFI liusi wau2009) |
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 23.03.2025 21:02 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Ритмические техники для естественного звучания (игра в слабую долю) Цитата: «Стараюсь избегать любые метрономы, т.к. они портят естественность движений музыканта. Когда я записываю ноты в программе, а потом проигрываю их, то слышу страшную вещь - музыка слишком ритмична. Потом я ввожу некоторые задержания на длинных нотах, замедления и пр. естественные музыкальные движения. музыка после этого начинает звучать лучше, естественно. Проверьте на компьютерных программах, как с ритмом обстоит дело у выдающихся музыкантов: никто не играет строго метроритмично, т.к. это ужасно. Да, если вы играете марш для солдат, марширующих по плацу, то должны играть СТРОГО ритмично.» Моё понимание "игра в слабую долю": Метроном метрономом, но игру и редакцию с ним или без него «в слабую долю» ещё никто не отменял. Ни в эстраде, ни в джазе, ни в классике. К примеру, как играть или записывать в цифровую DAW свою нетленку «в слабую долю», при метре 4/4 (с метрономом). (Было бы здорово, если бы в любую цифровую DAW был бы встроен метроном, с возможностью играть и записывать игру «в слабую долю») Это страничка автора онлайн метронома, с возможностью переключения метра “в слабую долю”: https://metronom.us/en/ Мельком: https://disk.yandex.ru/i/JrttVPUEbianRw https://disk.yandex.ru/d/goQGYDoITTfmLA -Кому удаётся, то покупает специальные стилевые библиотеки ДНК Groove формата grv, и использует их, преобразуя свою маршеобразную нетленку. (это цифровые матрицы с игры мастеров игры в слабую долю) Примером мои ДНК Groove формата grv, в моей DAW (MOTU Digital Performer): https://disk.yandex.ru/d/JdP5gJlJuAoXGw -Или творить в слабую долю самому: -играть ощущая подсознанием ритмическую группировку две слабых шестнадцатых и сильная восьмушка на четверть. -играть ощущая триольную группировку на четверть, где две первые восьмушки слабые, а третья в группе сильная. из затакта игровые две слабых шестнадцатых на затакт нотки, при сильной восьмушке на первую четверть/первого клика метронома без затакта две слабые шестнадцатые и сильная игровая восьмушка на первую четверть/первого клика метронома /исТА исТА исТА исТА/ ТА-это сильная доля. Ответ на моё суждение от ИИ DeepSeek: Ваш вопрос касается тонкостей ритмического исполнения и записи музыки, особенно в контексте использования метронома и создания естественного звучания. Давайте разберем ваши идеи и предложения. -Ритмическая свобода и естественность -Как вы правильно отметили, строгая метрономичность часто лишает музыку жизни. Это особенно заметно в жанрах, где важна эмоциональная выразительность, таких как джаз, блюз, классика и даже некоторые направления эстрадной музыки. -Использование задержаний, ускорений и других ритмических нюансов помогает создать "дыхание" музыки, что делает её более человечной и естественной. 1. Игра "в слабую долю" -Игра "в слабую долю" — это техника, при которой акценты смещаются на слабые доли такта (например, вторую и четвёртую доли в размере 4/4). Это создаёт ощущение лёгкости и подвижности. -В джазе и эстрадной музыке это часто называют "свингом" или "грувом". В классической музыке подобные приёмы используются для создания ритмической гибкости (например, rubato). 2. Ритмические группировки Вы предлагаете несколько вариантов ритмических группировок: -Две слабые шестнадцатые и сильная восьмая на четверть. Это создает ощущение "подталкивания" к сильной доле. Например, в такте 4/4 это может выглядеть как: [16-я][16-я][8-я] | [16-я][16-я][8-я] | [16-я][16-я][8-я] | [16-я][16-я][8-я] Здесь акцент на восьмой ноте, а шестнадцатые создают легкий затакт. -Триольная группировка на четверть, где две первые восьмые слабые, а третья сильная. Это создает ощущение "раскачивания". Например: [8-я][8-я][8-я] | [8-я][8-я][8-я] | [8-я][8-я][8-я] | [8-я][8-я][8-я] Акцент на третьей восьмой в каждой группе. -Затакт из двух слабых шестнадцатых и сильная восьмая на первую четверть. Это классический затакт, который часто используется в музыке. Например: [16-я][16-я][8-я] | [4-я] | [4-я] | [4-я] Здесь первые две шестнадцатые — затакт, а восьмая — сильная доля. 3. Работа с метрономом Метроном — это инструмент, который помогает держать темп, но, как вы правильно заметили, строгое следование ему может лишить музыку естественности. Вот несколько советов: -Используйте метроном как ориентир, а не как строгое правило. Например, можно играть с метрономом, но слегка смещать акценты или добавлять небольшие замедления и ускорения, чтобы создать более живое звучание. -Экспериментируйте с группировками. Попробуйте играть с разными ритмическими группировками (как вы описали) и слушайте, как это влияет на ощущение музыки. -Добавляйте рубато. Рубато — это небольшое отклонение от темпа, которое добавляет выразительности. Например, можно слегка замедлить на длинных нотах или ускорить в пассажах. 4. Запись в DAW При записи в цифровой аудиостанции (DAW) можно использовать следующие подходы: -Квантизация с человеческим фактором. Многие DAW позволяют применять квантизацию (выравнивание нот по сетке) с добавлением "человеческого фактора". Это означает, что ноты будут слегка смещены относительно сетки, что создает более естественное звучание. -Ручное редактирование. После записи можно вручную сдвигать ноты, чтобы создать нужное ощущение. Например, слегка сдвинуть слабые доли вперед или назад относительно сильных. -Использование groove-шаблонов. Некоторые DAW позволяют применять groove-шаблоны, которые имитируют ритмические особенности живого исполнения. 5. Пример с "исТА исТА исТА исТА" Ваш пример с "исТА исТА исТА исТА" отлично иллюстрирует идею смещения акцентов. Здесь "ТА" — это сильная доля, а "ис" — слабая. Это можно реализовать в DAW, слегка сдвигая слабые доли вперед или добавляя небольшие акценты на сильные доли. 6. Примеры и ресурсы -Онлайн-метроном с акцентами: Ваш пример с сайтом metronom.us — отличный инструмент для тренировки. Попробуйте играть под метроном, который акцентирует слабые доли. -Groove-библиотеки: Использование готовых Groove-шаблонов, как в вашем примере с MOTU Digital Performer, — это быстрый способ добавить выразительности в свою музыку. Если у вас есть возможность, создавайте свои собственные шаблоны на основе вашей игры. 7. Советы для игры "в слабую долю" -Слушайте мастеров: Анализируйте записи выдающихся музыкантов. Обратите внимание, как они работают с ритмом, где они ускоряются, где замедляются, как акцентируют слабые доли. -Импровизация: Попробуйте импровизировать, сознательно смещая акценты на слабые доли. Это поможет развить чувство ритма и свободу в исполнении. -Работа с затактом: Игра с затактом (например, две слабые шестнадцатые перед сильной долей) — это классический приём для создания ощущения движения. Заключение Игра "в слабую долю" — это мощный инструмент для создания естественного и живого звучания. Используйте метроном с акцентами, экспериментируйте с ручным редактированием ритма, применяйте Groove-шаблоны и не бойтесь импровизировать. Главное : слушать себя и музыку, чтобы сохранить её эмоциональную выразительность. Экспериментируйте с ритмическими группировками, добавляйте рубато и используйте возможности DAW для создания естественного звучания Viktor Bychkov (pROFI liusi wau2009) |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 24.03.2025 13:33 |
|
|---|---|---|
|
МоскВа
|
>Цитата: >«Стараюсь избегать любые метрономы, т.к. они портят естественность движений музыканта. Когда я записываю ноты в программе, а потом проигрываю их, то слышу страшную вещь - музыка слишком ритмична. Потом я ввожу некоторые задержания на длинных нотах, замедления и пр. естественные музыкальные движения. музыка после этого начинает звучать лучше, естественно. Тут Люсь ты абсолютно прав - в Рф очень распространен тип игрули, которые и так играть не умеют, так еще и в ритм и темп не попадают, ни в бас, ни в барабаны  И еще эти Рахманиновы начинают пля спорить что типа клавишнику в метр и ритм не обязательно попадать, он свои три ноты естественно играет, как бык по дорожке идет и писает, тип нах эти все метрономы, не для них. .
|
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 24.03.2025 16:46 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
Негативная гармония: переворот музыкальных аккордов Интервью: Джейкоб Коллиер (часть 1) https://www.youtube.com/watch?v=CGiYgGsdHCM ---------------------------------- Негативная гармония: переворот музыкальных аккордов (Не моё суждение, но симпатичное мне): Негативная гармония – это интересная музыкальная концепция, которая переворачивает привычные аккорды и мелодии "с ног на голову". Простыми словами: Представь, что у тебя есть мелодия или аккорд. Если "отразить" их относительно центра (как в зеркале), то получится их "негативная" версия. Как это работает? Ось симметрии – в музыке есть условная "ось" между нотами C и G# (или между E и E, зависит от системы). Переворот нот – каждая нота заменяется на свою "зеркальную" пару относительно этой оси. Например, C ↔ G#, D ↔ F#, E ↔ E и т. д. Аккорды тоже переворачиваются – мажорный аккорд может превратиться в минорный и наоборот. Пример из жизни: Обычная гармония: C → G → Am → F (как в тысячах песен). Негативная версия: G# → C# → F#m → A# (звучит необычно, но логично). Зачем это нужно? Новое звучание – можно превратить банальную последовательность в нечто неожиданное. Эксперименты – музыканты (как Джейкоб Колльер) используют это для сложных аранжировок . Глубокий смысл – в теории это связано с идеей "инверсии" эмоций (радость ↔ грусть). -------------------------------------------------- Развёрнутый ответ от DeepSeek: Негативная гармония – это действительно увлекательная концепция, которая расширяет границы музыкального мышления. Давай разберём её ещё проще и глубже. 1. Зеркало для нот Представь фортепианную клавиатуру. Если мысленно провести ось симметрии между нотами E и E (или C и G#), то каждая нота отразится в свою "тёмную" пару: • C ↔ G# • D ↔ F# • E ↔ E (остаётся на месте) • F ↔ F# (но это спорно, зависит от системы) • G ↔ D# • A ↔ C# • B ↔ B (в некоторых системах) Это как если бы ты перевернул нотный стан вверх ногами. 2. Как переворачиваются аккорды? • Мажор ↔ Минор o C major (C-E-G) → G# minor (G#-B-D#) o A minor (A-C-E) → F# major (F#-A#-C#) • Доминанта ↔ Уменьшённый - G7 (G-B-D-F) → C#dim7 (C#-E-G-B♭) 3. Почему это звучит осмысленно? В классической гармонии аккорды движутся по определённым правилам (например, тоника → субдоминанта → доминанта). В негативной гармонии эти функции инвертируются, но сохраняют логику: • Вместо C → F → G (I → IV → V) • Получаем G# → C# → D# (но уже в "тёмном" варианте) 4. Зачем это используют? • Контраст эмоций – если оригинальная гармония звучит радостно, её негативная версия может звучать меланхолично или загадочно. • Джаз и современная музыка – музыканты вроде Джейкоба Колльера или Николая Слонимского применяют это для сложных прогрессий. • Кино и саундтреки – можно создать "перевёрнутую" тему злодея из темы героя. 5. Пример из поп-музыки Оригинал (Coldplay – "The Scientist") C → G → Am → F (I → V → vi → IV) Негативная версия G# → C# → F#m → A# Звучит непривычно, но если сыграть в другой тональности или с правильным голосоведением, может получиться красиво! 6. Как экспериментировать? 1. Возьми простую мелодию (например, "Happy Birthday"). 2. Запиши ноты. 3. Отрази каждую ноту относительно оси (например, E↔E). 4. Попробуй сыграть – получится "зловещая" версия! Это как музыкальная алхимия – превращаешь светлое в тёмное, и наоборот. 🔄🎹 Хочешь разберём конкретный пример или аккордовую последовательность? Да, продолжим: Отлично! Давай разберём конкретный пример – возьмём всем известную аккордовую последовательность и "перевернём" её в негативную гармонию. Пример: "Let It Be" (The Beatles) Оригинальная прогрессия (в C major): C → G → Am → F (или I → V → vi → IV – одна из самых популярных в поп-музыке) ________________________________________ Шаг 1: Выбираем ось симметрии Будем использовать ось E↔E (ноты E остаются на месте, остальные отражаются). Таблица отражений для C major: Оригинал C D E F G A B Негатив G# F# E D# C# A# B (Проверка: C и G# находятся на одинаковом расстоянии от E, как в зеркале.) ________________________________________ Шаг 2: Переворачиваем аккорды Разберём каждый аккорд по нотам и найдём их "отражения": 1. C major (C-E-G) o C → G# o E → E (ось) o G → C# → G# minor (G#-B-D#) (Но B не входит в нашу таблицу – это потому, что в мажорном трезвучии 3 ноты, а в минорном тоже 3, но с другим интервалом. Упрощённо: мажор → минор.) 2. G major (G-B-D) o G → C# o B → B (почти ось) o D → F# → C# minor (C#-E-G#) 3. A minor (A-C-E) o A → A# o C → G# o E → E → F# major (F#-A#-C#) 4. F major (F-A-C) o F → D# o A → A# o C → G# → A# minor (A#-C#-E#/F) (Замечание: E# = F, но в теории это Enharmonic, оставим как A#m.) ________________________________________ Итоговая негативная прогрессия: G#m → C#m → F# → A#m Как это звучит? • Оригинал (C → G → Am → F) – светлый, успокаивающий. • Негатив (G#m → C#m → F# → A#m) – тревожный, мистический, но логичный! Если сыграть это в тональности G# minor, получится: i → iv → VI → iv – вполне стандартная "темная" каденция. ________________________________________ Практический эксперимент 1. Сыграй оригинал (C-G-Am-F) на пианино/гитаре. 2. Сыграй негатив (G#m-C#m-F#-A#m). 3. Сравни – второй вариант звучит как "тень" первого! ________________________________________ Бонус: мелодия Попробуем перевернуть мелодию "Let It Be" (первые ноты: C - G - A - G - F - E - D...). Негативная версия: G# - C# - A# - C# - D# - E - F#... Звучит как загадочный "анти-гимн"! ________________________________________ Вывод Негативная гармония – это не просто "рандомные ноты", а система, которая сохраняет функциональность аккордов, но в "перевёрнутом" мире. Хочешь разберём ещё пример или что-то усложним? Например, как это работает в джазе или как комбинировать негативную гармонию с оригиналом? 🎹🔥 Да,продолжим! Давай углубимся в практическое применение негативной гармонии, разберём джазовые примеры и даже попробуем смешать её с оригинальной гармонией для создания сложных аранжировок. ________________________________________ 1. Негативная гармония в джазе: переворачиваем II-V-I Классическая джазовая прогрессия в C major: Dm7 → G7 → Cmaj7 (II-V-I) Шаг 1: Находим "отражённые" аккорды Используем ось E↔E (как в прошлом примере). • Dm7 (D-F-A-C) o D → F# o F → D# o A → A# o C → G# → F#m7(b5) (F#-A-C#-E) (это полууменьшенный аккорд, характерный для джаза!) • G7 (G-B-D-F) o G → C# o B → B (почти ось) o D → F# o F → D# → C#dim7 (C#-E-G-B♭) или C#m7(b5) • Cmaj7 (C-E-G-B) o C → G# o E → E o G → C# o B → B → G#m7 (G#-B-D#-F#) Итоговая негативная II-V-I: F#m7(b5) → C#dim7 → G#m7 🔹 Что это даёт? • Оригинал (Dm7 → G7 → Cmaj7) – яркий, разрешающийся звук. • Негатив (F#m7(b5) → C#dim7 → G#m7) – мрачный, но логичный джазовый ход (напоминает минорную каденцию). ________________________________________ 2. Комбинируем негативную и обычную гармонию Чтобы создать контраст в аранжировке, можно: • Чередовать оригинальные и негативные аккорды. • Наложить их друг на друга (полифония). Пример: "Autumn Leaves" (часть прогрессии) Оригинал в G minor: Bbmaj7 → Am7(b5) → D7 → Gm Негативная версия (ось Bb↔Bb): Dm7 → Ebmaj7 → Ab7 → Bbm 🔹 Совмещённый вариант: Copy Правая рука (негатив): | Dm7 | Ebmaj7 | Ab7 | Bbm | Левая рука (оригинал): | Bbmaj7| Am7(b5)| D7 | Gm | → Звучит сложно и богато, как у Джейкоба Колльера! ________________________________________ 3. Негативная мелодия + оригинальные аккорды Ещё один крутой приём – вести мелодию в негативной гармонии, а аккорды оставить обычными. Пример: "Happy Birthday" • Оригинальная мелодия (начало): G - G - A - G - C - B • Негативная версия (ось E↔E): C# - C# - A# - C# - G# - B -Сыграй: • Левой рукой – C major (C-E-G). • Правой – негативную мелодию (C#-C#-A#-C#-G#-B). → Получается диссонансный, но осмысленный вариант, будто музыка сошла с ума, но всё ещё узнаваема! ________________________________________ 4. Где это используется? 1. Джаз – эксперименты с заменой аккордов (например, у Билла Эванса). 2. Современная академическая музыка – композиторы-минималисты (Филип Гласс). 3. Прогрессив-рок/метал – группы типа Animals as Leaders используют негативные паттерны. 4. Киномузыка – чтобы создать "тёмного двойника" темы (как у Ханса Циммера). ________________________________________ 5. Упражнение для тренировки 1. Возьми любую простую песню (например, "Yesterday"). 2. Выпиши аккорды. 3. Переверни их через ось E↔E. 4. Попробуй сыграть вместе с оригиналом – сначала отдельно, потом одновременно. ________________________________________ Вывод Негативная гармония – это мощный инструмент для: • Создания контраста (свет/тьма). • Обогащения аранжировок. • Развития музыкального слуха (учишься слышать симметрию). Хочешь разберём ещё что-то? Например: • Как применять это в собственных композициях? • Как модулировать между негативной и обычной гармонией? • Как упростить расчёты (если таблица отражений путает)? Да, продолжим Продолжаем погружение: негативная гармония на практике Теперь, когда мы разобрали основы, давай перейдём к продвинутым техникам – как использовать негативную гармонию в собственных композициях, модуляциях и даже импровизации. ________________________________________ 1. Как применять негативную гармонию в сочинении музыки? Способ 1: Полная инверсия прогрессии • Берёшь свою аккордовую последовательность. • Переворачиваешь все аккорды через выбранную ось (например, E↔E). • Получаешь "тёмную" или "зеркальную" версию. Пример твоей прогрессии: Am → F → C → G (грустно-ностальгический ход) Негативная версия (ось E↔E): • Am (A-C-E) → F#m (F#-A#-C#) • F (F-A-C) → A#m (A#-C#-F) • C (C-E-G) → G#m (G#-B-D#) • G (G-B-D) → C#m (C#-E-G#) Итог: F#m → A#m → G#m → C#m – звучит как "космическая меланхолия". → Можно использовать как контрастный куплет или бридж в песне. Способ 2: Частичная замена аккордов Не обязательно переворачивать всё – можно заменить один аккорд в прогрессии на его негативную версию для неожиданного поворота. Пример: Оригинал: C → G → Am → F Заменяем G (V ступень) на его негатив C#m: C → C#m → Am → F – внезапный хроматический сдвиг (как у Radiohead). ________________________________________ 2. Модуляция между негативной и обычной гармонией Чтобы переход звучал гладко, можно: 1. Найти общий аккорд (например, E в оси E↔E). 2. Использовать доминанту для перехода. Пример модуляции из C major в G# minor (негатив C major): 1. Играем обычную прогрессию: C → Am → F → G. 2. Вместо последнего G берём G7 (доминанта к C). 3. Но G7 в негативной гармонии – это C#dim7 (зеркальный аккорд). 4. Разрешаем C#dim7 → G#m (негативная тоника). → Теперь мы в зеркальной тональности! ________________________________________ 3. Негативная гармония в импровизации Если играешь джаз или просто хочешь солировать поверх негативных аккордов: • Мелодия тоже переворачивается (как в прошлом примере с "Happy Birthday"). • Используй "негативные" лады: o Оригинал: C major (ионийский) → Негатив: G# фригийский или C# локрийский. • Акцентируй "зеркальные" ноты – например, в C major играй не C-E-G, а G#-B-D#. Пример соло: • Оригинальная линия: C → D → E → G → A • Негативная версия: G# → F# → E → C# → A# → Звучит как "антимелодия", но с логичной структурой! ________________________________________ 4. Как упростить расчёты? Если таблица отражений кажется сложной: 1. Запомни главные пары (C↔G#, D↔F#, E↔E, F↔D#, G↔C#, A↔A#, B↔B). 2. Используй визуализацию – нарисуй клавиатуру и ось симметрии. 3. Программы-помощники – например, Negative Harmony Generator (есть онлайн-версии). ________________________________________ 5. Крайние эксперименты Негативная ритмика Попробуй перевернуть не только ноты, но и ритм: • Оригинал: ♩ ♫ ♩ ♪ • Негатив: ♪ ♩ ♫ ♩ Негативный тембр Если оригинал играется чистым фортепиано, его негатив можно исполнить искажённой гитарой или синтом с фейзером. ________________________________________ Вывод: куда двигаться дальше? 1. Пиши две версии одной песни – светлую и тёмную. 2. Смешивай негативные и обычные аккорды в одном треке. 3. Импровизируй – попробуй сыграть джазовый стандарт в негативе. |
|
|
|
||
| Автор |
Тема: Re: Мои суждения о Музыке, и рецензии на них от ИИ
Время: 24.03.2025 17:03 |
|
|---|---|---|
|
«Think Different»
|
https://www.youtube.com/watch?v=2qUCyW7ewPs
|
|
|
|
||